2020 год
1. Джим Дайн
Выставочный дворец (Palazzo Esposizioni), Рим, 11 февраля - 26 июля 2020 года
Сайт галереи: https://www.palazzoesposizioni.it/mostra/jim-dine-eng
На выставке в Риме представлена ретроспектива произведений современного американского художника Джима Дайна - более 80 работ демонстрируют различные этапы творчества мастера - от 1950-х до 2010-х.
Куратор выставки, Даниэла Ланчиони, при создании экспозиции активно сотрудничала с самим художником. Аудиокомментарий автора сопровождал зрителя, изучавшего инсталляции в пространстве галереи.
"Путь руки Стивена"
Джим Дайн. 1964. Холст, эмаль, уголь, ствол дуба, козлы, два топора
Джим Дайн начал свой творческий путь в Нью-Йорке в 1950-е годы, в качестве мастера перфоманса.
И хотя уже в 1960-е он отказался от создания перформансов и заявил о себе как о живописце и скульпторе, перформативная концепция инсталляции как представления, театрального действа, сохранилась во всех его последующих произведениях.
Пространство художественных произведений Дайна неизменно расширяется: с холстов, покрытых масляными красками, в зрительный зал выходят объемные персонажи, и здесь, на глазах зрителей, разворачиваются целые истории, театральные представления, в которых комическое и трагическое составляют единое целое.
Например, в произведении "Путь руки Стивена" вытянутый по горизонтали холст установлен рядом с козлами.
Два топора воткнуты в дубовый ствол. На холсте изображена окровавленная кисть руки.
История Стивена, упомянутого в названии инсталляции, оживает на наших глазах. Кровь обрубленной фаланги пальца - след "маленькой/большой трагедии", оставшийся на холсте.
Жизнь предстает как невынужденная трагедия, оставляющая свои кровавые следы.
"Британские радости. Портрет Мэри Куант"
Джим Дайн, 1965. Холст, масло, уголь, объекты
В инсталляции "Британские радости" художник инсценирует живописное пространство, вводя женское платье, электрическую лампочку, провода, вилки и розетки в качестве элементов изображения.
Лампочка выступает как "огни рампы" той сцены, на которые готовится выйти героиня произведения.
Процессуальность составляет основу и этого художественного образа Джима Дайна.
Театрализация придает объем неодушевленным объектам (платье), в то время как части человеческого тела (женские ноги), написанные на холсте, сохраняют плоскостность.
В мире этого произведения оболочка костюма более реальна, чем человеческая фигура, фрагменты которой нарисованы недолговечным углем.
"Британские радости" - это и портрет, и перфоманс, в котором бесплодные мечты о танцах, развлечениях и "радостях" остаются в платяном шкафу, вместе с повисшим платьем, лишенным плоти.
"Четыре комнаты"
Джим Дайн, 1962. Масло и объект на холсте, металл, расписанное кресло
Инсталляция "Четыре комнаты" - еще один зримо-незримый статико-динамичный перфоманс с главным героем, который присутствует и отсутствует одновременно.
Четыре холста разной ширины составлены в один ряд. Акценты темно-серого поставлены в крайних зонах.
Эти четыре холста - это и есть те "четыре комнаты", о которых говорит название.
Основное "действующее лицо" этого скульптурно-живописного театра - кресло, расположенное в расширившемся пространстве своеобразной "гостиной" этой художественной "квартиры".
Телевизор, написанный тонкими линиями, излучает в этой гостиной свой призрачный белый свет.
Если темно-серая "комната" слева - гостиная, то крайнее пространство справа - живописная "ванная комната", где написанный маслом поток воды получает объемное дополнение в виде элементов металлической гарнитуры душевой кабины.
Джим Дайн говорит этим произведением, что живопись - это не просто место действия, это место жизни.
Исследователи полагают, а художник подтверждает, что автопортрет - основной жанр его произведений.
Узкое пространство между холстами и "ступающими" с них объектами - зона, где живет художник - между сверхчувственным миром идей, фантазий, мыслей и возможностью их оплотнения.
Холсты, арена творчества, - естественная среда обитания героя произведения "Четыре комнаты".
Искусство предстает как место отдыха и зрелища, медитации и очищения.
"Белая ванная комната"
Джим Дайн, 1962. Масло, уголь и объекты на холсте
В произведении "Белая ванная комната" тема искусства как пространства чистоты продолжается.
С холста к зрителю спускаются полотенца, "шагают" мыльницы, свисает рулон туалетной бумаги.
Все объекты сохраняют свою белизну, как и холст, покрытый белой краской.
Белый квадрат живописи получает ироничное прикладное "применение", а идея искусства как средства душевного очищения - сатирическое воплощение.
"Вихрь инструментов / Словарь терминов"
Джим Дайн, 2009. Масло и эмаль на дереве, металле и объектах
Отдельное место в позднем творчестве Джима Дайна занимает персонаж Венеры Милосской. Множество работ в разных материалах были выполнены художником, вдохновившимся этим знаменитым произведением античного искусства.
На выставке в Риме Венера в работах Дайна предстает в дереве, окрашенном в красный, иногда - в черный цвет.
Композиции могут включать как одиночный образ героини, так и групповые сцены, где персонаж удваивается и даже утраивается.
В произведении "Вихрь инструментов" три Венеры, как три грации, изображены начинающими своеобразный хоровод.
Вокруг талии каждой Венеры закручивается кольцо столярных инструментов: долото, рубанки, резаки, ножовки, пилы, плоскогубцы, пассатижи, гаечные ключи.
Дайн описывал свой опыт знакомства с этим произведением. Смотрители музея, в котором хранилась копия скульптуры, разрешили ему остаться на ночь в том зале, где она была выставлена. Чувство обладания ("она моя"), испытанное художником в ту ночь, сохранилось в той визуальной истории, которую рассказывают его работы на тему античной статуи.
Венера - знак самой античности, классической традиции и высшего совершенства в искусстве скульптора.
И эта совершенная классическая античность выступает художественным материалом современного художника.
Он входит в эту традицию и стремится сделать ее "своей" - объект-язык становится субъект-языком.
В новой субъектной версии Венера лишается не только рук, но и головы. Ее тело, выполненное в дереве, - материал, в который вторгается мастер деревянной скульптуры. Инструменты - продолжение его рук.
Какой инструмент следует выбрать, чтобы приблизиться к телу древней традиции?
Второе авторское название скульптурной группы 2009 года - "Словарь терминов". Приближение к Венере Милосской как освоение основ художественного творчества.
Для зрелого и многоопытного художника - это шаг возвращения к первоначалам искусства.
В XXI веке Джим Дайн становится учеником, лишь делающим первые шаги на пути приближения к совершенству.
2. Сальвадор Дали. Магическое искусство
Центральный выставочный зал "Манеж", Москва, 28 января - 25 марта 2020 года
Сайт выставки: https://dali2020.ru
Куратор выставки, Монсе Агер, директор Музеев Дали фонда "Гала-Сальвадор Дали", организовал экспозицию более 180 произведений художника, следуя хронологическому принципу, а также обращая зрителя к разным видам искусства, в которых работах великий мастер.
В результате на выставке было создано многоаспектное пространство творчества Дали как живописца, графика, кинохудожника, театрального декоратора и мультипликатора.
Но название выставки отсылает к метафорическому определению только одного вида искусства - "магическим искусством" или "магическим мастерством" Сальвадор Дали называл живопись.
Подобно Леонардо да Винчи, Дали считал живопись важнейшим из всех видов изобразительного искусства. Испанский художник ХХ века стремился вернуть живопись на тот высочайший уровень совершенства, на котором она находилась в эпоху итальянского Возрождения.
Именно искусство XV-XVI веков стало главным источником вдохновения для Сальвадора Дали.
"Автопортрет с Рафаэлевой шеей"
Сальвадор Дали, 1921. Холст, масло
"Автопортрет с Рафаэлевой шеей" - репрезентант раннего творчества художника.
В этом произведении заявлена основная тема искусства Возрождения, которую всегда стремился развивать в своем искусстве Сальвадор Дали, - обожествление художника как гения, одаренного способностью видеть и открывать ангельский мир высшей духовности.
Сальвадор Дали в приложении к своей книге "Дневник одного гения" составил "Сравнительную таблицу ценностей в соответствии с далианским анализом". В этой таблице он оценил десять самых значимых для него художников (и самого себя) по девяти параметрам. Один из наивысших баллов у Дали "набрал" именно Рафаэль.
Начиная свой творческий путь, в произведении "Автопортрет с Рафаэлевой шеей" Дали не только сообщает своему облику подобие облику Рафаэля, но также и раскрывает свою близость художественным идеям, воплощенным этим гениальным художником.
Голова Дали/Рафаэля изображена в пространстве вод, холмов и золотого, сияющего солнцем берега. Божественный мир природы составляет среду обитания возвышенных мыслей художника, в образе которого миру является Спаситель.
Имя Дали - Сальвадор (исп. Спаситель) - было понято им как Знак, посланный самой судьбой.
Идея искусства, спасающего мир, и идея художника-гения как Спасителя, определяет суть того прозревающего взгляда небесно голубых глаз, которыми взирает прямо на зрителя герой.
Движение света по его лицу в центре лба образует сияние - своеобразный "третий глаз" умозрения, благодаря которому дальние сияющие миры становятся видимыми в творениях гения - посредника между божественным и человеческим миром.
"Дематериализация под носом у Нерона"
Сальвадор Дали, 1947. Холст, масло
"Дематериализация под носом у Нерона" - репрезентант периода так называемого "ядерного мистицизма" в развитии сюрреалистического стиля Дали.
Второе название картины - "Расщепление атома".
В 1940-е годы ряд ужасных исторических событий оказали влияние на направление творчества Дали. Вторая мировая война, создание атомной бомбы, ядерные взрывы в Хиросиме и Нагасаки, угроза ядерной катастрофы человечества определили характер визуального мышления художника.
Тотальная конечность всего видимого и осязаемого, обесконечивание конечного и дематериализация как закон Вселенной, стремящейся к своему неумолимому исчезновению, - вот темы художественной рефлексии Дали.
Мистическое постижение скрытых сил, действующих в мироздании, стало основной целью его искусства.
В произведении "Дематериализация под носом у Нерона" живопись становится единственно возможной ареной удержания шаткого баланса между материальным и нематериальным.
В пространстве пустынного пейзажа храм античности представлен парящим в воздухе. Он и материализуется, и дематериализуется на глазах зрителя.
Античные архитектурные и скульптурные формы и сохраняют симметричность, стабильность, ясность и плоскостность, и начинают процесс своего распадения.
От лица Нерона отделяется нос и повисает в воздухе, отбрасывая на грудь Нерона свою тень. Бюст отделяется от постамента. Сам постамент тоже разделяется на части. Мир античности теряет свою незыблемость, показывает свою разложимость и непрочность.
Царство Нерона также разрушается: фронтон отделяется от стены, а скульптуры воинов, стоящие в нишах здания, превращаются в неразличимые призраки.
И ядром этого разрушающегося мира выступает гранат. Разделенный на две части, он парит внутри каменного куба - основания здания Нерона, разлагающегося на элементы.
Зерна граната появляются из-под кожи фрукта, разрывающегося своей кровавой силой каменный мир вокруг.
Император Нерон родился в 35 г. н.э. Христианство только начало свое распространение по миру.
Гранат есть символ Христа и той веры, которая основана на ценностях дематериализации, о которых не желал ничего знать Нерон.
Дематериализация действительно происходила у него "под носом", но он отказывался это замечать. Он сделал имя своей империи нарицательным для воплощения царства порока, греха, служения материальным ценностям и маниакального стремления сохранить земную власть любой ценой.
Но в сердце его империи уже билось ядро нового мира.
Разложив этот мир на части, Дали визуальным художественным способом открывает закон атомарности вселенной и человеческой истории, в которой мистическая трансформация и дематериализация определяет судьбы как отдельной личности, так и всего человечества.