Июнь-июль-август 2015 года

Одна из тенденций развития современного искусства – создание масштабных инсталляций – произведений искусства, охватывающих собой широкие пространства, затягивающие архитектурные и природные объекты в целостный художественный контекст.

Можно видеть, как этой тенденции подчиняются музейные площадки.

Действующие музеи расширяются, превращаются в трансформеры.

Новые музеи создаются для удовлетворения этой насущной художественной потребности – в открытых обширных свободных пространствах, дающих зрителю возможность пребывать и двигаться внутри произведения искусства.

 

Эту тенденцию можно наблюдать на многих выставочных аренах.

1. Биеннале современного искусства в Венеции (9.05.2015 – 22.11.2015)

http://www.labiennale.org/en/art/

Венецианская Биеннале современного искусства демонстрирует, как художники превращают сами павильоны в произведения искусства, входящие в активную художественную коммуникацию со своими зрителями-посетителями.

Тема Биеннале Венеции 2015 года – «Все будущее мира».

И действительно, в работах, созданных современными художниками для павильонов Биеннале, можно увидеть основные тенденции будущего развития изобразительного искусства XXI века.

 

Павильон Норвегии

Куратор - Катя Гарсия-Антон, при сотрудничестве с Антонио Катальдо.

Художница Камиль Нормент для павильона Норвегии создала произведение «Rapture» («Экстаз») – скульптурно-звуковую инсталляцию.

"Экстаз". Камиль Нормент

Для создания инсталляции художницей специально была написана музыкальная композиция на стеклянной гармонике.

По приглашению Нормент, ряд художников и музыкантов будут проводить перформансы в пространстве созданной ею инсталляции «Экстаз», исполняя свои музыкальные произведения, коррелирующие с темой, заданной самой художницей.

Стеклянная гармоника – музыкальный инструмент века, способный создавать магические звуки из стекла и воды.

Инсталляция особенно актуальна в выставочном пространстве Садов Венеции, поскольку тема чудесного эффекта воды, стекла и света раскрывается именно в этом городе наиболее интенсивно и ярко.

Инструмент был создан Бенджамином Франклином. На нем играли Моцарт и королева Франции Мария-Антуанетта.

Сначала стеклянная гармоника была известна своими целительными способностями, но затем игра на ней была запрещена.

Чрезмерное сексуальное возбуждение, в которое ее музыка вводила слушательниц, послужило причиной запрета.

Таким образом, не только оживляющее, но и разрушительное действие приписывалось этому уникальному инструменту в веке.

Название инсталляции «Экстаз» отсылает к тому возбуждающе-чудодейственному эффекту, которое, по легенде, производила музыка, исполняемая на этом музыкальном инструменте.

Произведение, созданное Камиль Нормент, визуально рефлексирует над амбивалентностью гармонии и дисгармонии, близостью этих двух противоположно заряженных энергий. Название «Rapture» («Экстаз») перекликается со словом «Rupture», что значит «разрушение».

Инсталляция «Экстаз» исследует разные способы взаимодействия человеческого тела со звуком. Результаты этого взаимодействия приобретают архитектурные и скульптурные, визуальные и аудиальные формы.

Сам павильон Норвегии выступает тем телом, с которым происходят трансформации под воздействием проходящих звуковых волн.

Как говорит Камиль Нормент, «природа звука такова, что он способен проникать через границы, проходить сквозь стены, уничтожать преграды».

Стеклянные рамы стен павильона представлены упавшими, стекла – разбитыми. Так визуально границы разрушаются под силой звука.

Музыка же обращает к природному голосу и человека, и мира – на это указывают стволы деревьев, расположенные в центре павильона и сам тот мир Садов Джардини, в которых проходит Биеннале и куда выводит зрителя инсталляция через прямое «разбивание» преград.

 

Павильон Японии 

Павильон Японии - место жизни инсталляции «Ключ в руке» (автор – Чихару Шиота). Куратор выставки – Хитоши Накано.

Чихару Шиота известна своими масштабными инсталляциями, охватывающими широкие экспозиционные пространства.

"Ключ в руке". Чихару Шиота

Заходя в павильон, зритель попадает в пространство, затянутое красными нитями. Каждая нить, свисающая с потолка, завершается подвешенным на нее ключом.

Для автора инсталляции ключ символизирует тепло каждодневного бытия человека. Будучи вещью, которую каждый постоянно имеет при себе и касается своими руками, ключ способен быть энергетическим медиумом, позволяющим войти в контакт с интимным пространством тепла человеческого ближнего круга.

Ключ – это также и символ памяти, памяти об определенном месте, о доме, о пути туда, о живущих в нем, о прошлом, настоящем и будущем. Ключ – знак допуска к сокровенным чувствам и к воспоминаниям человека.

Причем эти воспоминания связаны не только и столько со временем земного бытия. Так, например, на четырех мониторах, установленных в павильоне, демонстрируется видео, в котором дети делятся своими воспоминаниями о времени до и непосредственно после рождения.

Это, безусловно, связано с особенностями культуры Японии, где датой рождения человека считается день зачатия.

Помимо ключей на нитях в инсталляцию входят две лодки. Ладьи символизируют две руки, принимающие в себя этот дождь памяти.

Произведение искусства «Ключ в руке» говорит нам: «Принимать дождь своей памяти означает погружение в глубины собственного бессознательного, вход в неведомые пространства, ключ к которым находится в нашем владении, им лишь надо уметь воспользоваться».

Инсталляция дает человеку-зрителю подобный опыт.

 

2. «Йоко Оно: шоу одной женщины, 1960-1971». Музей современного искусства, Нью-Йорк (17.05.2015 - 07.09.2015)

http://www.moma.org/visit/calendar/exhibitions/1544

Название экспозиции было придумано Йоко Оно в 1971 году.

Однако тогда выставка в Нью-Йоркском Музее современного искусства в действительности проходила лишь в воображении художницы.

Самостоятельно напечатав рекламные проспекты и пригласив зрителей на свое шоу в музей, Йоко Оно лишь поставила пришедших в ситуацию посещения выставки, которой нет.

Но вот теперь, в 2015 году, Музей современного искусства приветствует более ста работ знаменитой художницы, чье творчество всегда само опережало время, а также вдохновляло других на его опережение.

Афиша выставки "Йоко Оно: шоу одной женщины, 1960-1971", 2015. На плакате использован фрагмент перформанса "Разрезанная"

Эта выставка – признание значительности фигуры Йоко Оно как мастера концептуализма, оказавшей существенное влияние на развитие искусства в середине ХХ века.

На выставке представлены инсталляции, перформансы, фильмы, аудиозаписи, созданные Йоко Оно в период с 1960 по 1971 годы.

Художественная коммуникация зрителей с этими работами основана на инструкциях, передаваемых художницей в письменной или устной форме.

Например, произведение «Произведение живописи, по которому можно ходить» (1960-1961) приглашало зрителей ступать по холсту, расстеленному на полу.

Активное взаимодействие зрителя и произведения является основой того понимания искусства, которое свойственно Йоко Оно.

Так, перформанс «Cut piece» («Разрезанная») (1964) основан на предложении разрезать часть одеяний Оно, сидящей на полу в неподвижной позе.

Выставка пересекает границы экспозиционных залов Музея и выходит в сад скульптур.

Произведения скульптуры, представленные в саду музея, также являются частью арт-шоу, создаваемого Йоко Оно на протяжении своей творческой жизни.

Йоко Оно в Саду скульптур Музея современного искусства в Нью-Йорке. 1960 и 2015 годы

В 1960 году была сделана первая фото-сессия в этом саду, где Оно позировала, вступая во взаимодействие со скульптурами.

В 2015 эта фотосессия дополнилась фотографиями, выполненными в наши дни, но с теми же героями. Так шоу раскрывает одну из своих главных граней – игра со временем. Здесь это – игра с прошлым.

Но частью шоу также является перформанс «Утренний мир Йоко Оно», проводившийся 21 июня 2015 года – в день летнего солнцестояния. Не только Музей современного искусства Нью-Йорка принимал участие в этом глобальном арт-проекте, но и ряд других выставочных пространств по всему миру – в Милане, Стамбуле, Москве, Гонконге, Сиднее, Лос-Анджелесе, Токио.

"Утро". Йоко Оно. 1965 год

Старт проекту положил перформанс «Утро», который проводился Йоко Оно в 1965 году в течение трех дней на крыше того дома, в котором она тогда проживала в Нью-Йорке. К кусочкам стекла были прикреплены записки с указанием конкретной даты в будущем и определенного утреннего времени (например, «после восхода»).

Как комментировала сама художница, «Через стекло можно увидеть небо». Образ неба будущего визуализирован этими стеклами-окнами в невидимое, которое становится виртуально видимым благодаря произведению искусства. И это была игра с будущим.

Фрагменты стекол «с утром будущего» продавались участникам перформанса. Вместе с этим произведением искусства зритель становился обладателем одного из самых эфемерных, неуловимых «объектов» - утром, причем утром будущего.

"Утренний мир Йоко Оно". 2015 год

В 2015 году географический масштаб качественно изменился. Перформанс превратился в «эстафету утр», которую принимали разные континенты. Вместе с движением солнца музеи разных стран разыгрывали перформанс Йоко Оно. И это уже игра со временем настоящим.

В названии нового перформанса было изменено одно слово: вместо «Morning Piece» («Утро») (1965) появилось «Morning Peace» («Утренний мир»).

Идея мира как взаимного согласия, уважения и любви друг к другу пронизывает все те концептуальные художественные практики, в которые, по замыслу художницы, вовлекаются участники перформанса.

Участникам предлагается дать собственную тактильную интерпретацию произведения Йоко Оно 1963 года «Коснитесь друг друга».

Прикосновение должно объединить действующих лиц «Утреннего мира».

Танцы, прикосновения, музыка и созерцание утренних меняющихся небес, наполняющихся светом нового дня – вот те практики, которые на время устанавливают мир во вселенной.

Таков замысел автора данного произведения искусства, связывающего во времени и пространстве отдаленные друг от друга уголки земли.

В своем стихотворении-инструкции 2015 года, выступающем камертоном  перформанса, Йоко Оно написала:

В день летнего солнцестояния

На восходе солнца

Отпразднуем все утра прошлого, будущего и настоящего.

Слушайте мир.

Коснитесь друг друга

В тот момент, когда восходит солнце.

 

3. Музей современного искусства «Гараж», Москва.

12 июня 2015 года в Москве в парке Горького состоялось открытие нового музейного центра – нового здания музея современного искусства «Гараж», проектировщиком которого выступил Рем Колхас.

Музей современного искусства "Гараж", Москва. 2015 год. Архитектор - Рем Колхас.

Сам Музей как произведение архитектуры было главным арт-объектом, представленным на открытии выставочного центра – событии, собравшем ведущих представителей различных видов современного искусства – кинематографа (Вуди Аллен), моды (Миучча Прада), изобразительного искусства (Джефф Кунс).

Музей современного искусства "Гараж", Москва

Характер архитектурного облика музея свидетельствует о предрасположенности данной музейной площадки к созданию масштабных инсталляций, объединяющих ряд помещений в единое целое и позволяющих зрителям в движении «проживать» произведения искусства как среду обитания.

Художественные события, последовавшие за открытием, действительно указали на готовность здания открываться художникам, способным на создание такой среды.

Так, например, именно новое здание музея «Гараж» стало одним из участников перформанса «Утренний мир Йоко Оно» 21 июня 2015 года.

Среди летних экспозиций обращает на себя внимание первая в России персональная выставка японской художницы Яёй Кусамы «Теория бесконечности» (12.06.2015 – 09.08.2015).

http://garagemca.org/ru/event/718

Выставка охватывает Западную галерею Музея, Лекторий и пространство Парка Горького. Мультимедийные инсталляции, созданные Кусамой, позволяют зрителям пережить уникальный психологический и сенсорный опыт. 

Выставка включает две инсталляции: «Бесконечная зеркальная комната — души в миллионах световых лет от нас» (2013) и «Указатель в бесконечное пространство» (2015).

"Бесконечная зеркальная комната - души в миллионах световых лет от нас". Яёй Кусама. 2013 год

«Бесконечная зеркальная комната — души в миллионах световых лет от нас» представляет собой пространство с зеркальными стенами, наполненную тысячами пульсирующих огней, которые до бесконечности отражаются в зеркалах.

Инсталляция «Указатель в бесконечное пространство» вводит зрителей в комнату, где орнамент в виде белого горошка на красном фоне покрывает стены и конструкции, образуя необычный ландшафт, лишающий зрителя привычных пространственных ориентиров.

"Указатель в бесконечное пространство". Яёй Кусама. 2015 год

Эти две инсталляции дополняет слайд-фильм «Прогулка» (1966) и видеозапись перформанса «Самоуничтожение Кусамы» (1967). В ходе перформанса художница покрывала различные объекты, животных и людей цветным горошком.

"Восхождение точек на деревья". Яёй Кусама

За пределами Музея представлен проект «Восхождение точек на деревья». Деревья на одной из аллей Парка Горького задрапированы красной тканью в белый горошек.

Произведения искусства ориентируют зрителя на умозрительный, душевный и даже физический поиск бесконечности. Демонстрируя иную реальность, не подчиняющуюся прямым линиям и ясным геометрическим фигурам, художница создает альтернативные миры, открытые для жизни не столько плоти, сколько духа.