ЯНВАРЬ-ФЕВРАЛЬ 2015
Обзор выставок на мировых художественных площадках показывает несколько интересных тенденций.
Тенденция первая – признание актуальности поп-арта.
Направление поп-арт, сформировавшееся в рамках блока эпатаж в середине ХХ века, сегодня позиционирует себя как объект-язык современного искусства.
Ряд выставок, проводимых в разных городах, указывают на идейную связанность двух художественных эпох: 1960-х и 2010-х.
1) В галерее Тейт в Ливерпуле проходит выставка, название которой может быть переведено на русский язык следующим образом: «Говорит и показывает Энди Уорхол» (Transmitting Andy Warhol).
«Откройте для себя человека, который изменил современный мир искусства» - этими словами начинается рекламный проспект выставки. Задача экспозиции – представить всю многогранность творческого потенциала, заложенного в таких различных направлениях деятельности выдающегося художника, как кино, телевидение, реклама, мода, музыка, театр, издательское дело.
Выставка организована так, что более 100 представленных экспонатов убеждают зрителя в способности Энди Уорхола предвидеть, предвосхитить и повлиять на развитие различных масс-медиа, на сам способ художественной коммуникации между зрителем и произведением искусства.
Произведение «Мэрилин» 1962 года, например, показывает, что для Энди Уорхола искусство выступило пространством рефлексии над созданием идолов поп-культуры и над взаимопроникновением сакрального и профанного в идеалах культуры повседневности.
Выставка продлится до 8 февраля 2015 года.
http://www.tate.org.uk/whats-on/tate-liverpool/exhibition/transmitting-andy-warhol
2) В галерее Тейт Модерн в Лондоне проходит выставка «Алиби: Зигмар Польке 1963-2010».
Зигмар Польке, как и Энди Уорхол, принадлежит числу безудержных экспериментаторов в области художественного творчества.
В Лондоне представлена ретроспектива творческой деятельности, позволяющая оценить всю широту изобретательского поиска, которая была свойственна художнику, чья карьера длилась пять десятилетий.
Разнообразие видов искусства (живопись, графика, кино, скульптура) сочетается с вариативностью художественных материалов (помимо традиционных, Польке также использовал и золото, и метеоритную пыль, картофель и даже уран) и форматов работ (от камерных до монументальных).
"Подружки". 1965-1966. Зигмар Польке.
В 1960-е годы культура потребления и образы, приходящие в искусство из телевидения, газет и других средств массовой информации стали объектом моделирования в живописи Зигмара Польке. Примерами являются такие произведения, как «Подружки» и «Ли Харви Освальд».
"Ли Харви Освальд". 1963. Зигмар Польке
Политическая и социальная активность свойственна в целом творчеству данного художника, что можно видеть и в работе 1974-1978 года «Без названия. Кетта, Пакистан».
"Без названия (Кетта, Пакистан)". 1974-1978. Зигмар Польке
Само название выставки «Алиби» отсылает нас к социальному феномену, возникшему в Германии после падения режима нацистов.
«Я ничего не видел», - говорил человек, и это было его алиби. Тем самым он снимал с себя ответственность за события времен фашизма.
Зигмар Польке своим искусством утверждает, что социальная ответственность, умение видеть, видеть точно и самую суть – вот в чем состоит предназначение не только художника, но и каждого настоящего зрителя.
Выставка продлится до 8 февраля 2015 года.
http://www.tate.org.uk/whats-on/tate-modern/exhibition/alibis-sigmar-polke-1963-2010
3) В галерее Пегги Гуггенхайм в Венеции проходит выставка «Азимут/H. Традиции и Новации» (Azimut/H. Continuity and Newness).
Азимут – название художественного проекта, воплотившегося в одновременном открытии галереи и журнала в Милане в 1959 году. Проект был создан по инициативе Энрико Кастеллани (род. в 1930) и Пьеро Манцони (1933-1963).
Свою задачу Кастеллани и Манцони видели, в частности, в том, чтобы ввести мир итальянского искусства в общемировой художественный контекст. А этот контекст задавался мастерами поп-арта.
"8". Джаспер Джонс
Большое влияние на творчество итальянских художников оказали мастера американского поп-арта: Джаспер Джонс, Роберт Раушенберг, чьи работы также представлены сейчас на выставке в Венеции.
В 1960-е годы объединение «Азимут/H» позиционировало себя как указатель направления развития современного революционного поколения через искусство.
Для художников объединения «Азимут» типичным было стремление к расширению понятия «произведение искусства», художественный эпатизм.
"Живая скульптура". 1961. Пьеро Манцони
Например, Пьеро Манцони в 1961 году создавал «Живые скульптуры», подписывая обнаженные фигуры живых людей и провозглашая их произведениями искусства.
Таким образом, идея, что художник – творец, и объект его творчества – человек, обретает новое воплощение. Так художественная культура встречается с религиозной культурой.
Понятие «произведение искусства» расширяет свои границы и определяется как «человек».
"Дерьмо художника". 1961. Пьеро Манцони
Пьеро Манцони в своем творчестве ярко проявил эпатирующий дух искусства 1960-х. В создании серии работ «Дерьмо художника» (1961) он атаковал устоявшиеся представления об обязательно высоком и «благоухающем» продукте художественного творчества.
Эта работа – это также атака на всю культуру массового производства и потребления: консервные банки с этикетками «дерьмо художника» (всего было сделано 90 банок) расставлены подобно товарам в супермаркетах.
«Все ли готова съесть современная публика?» - такой вызов бросает данное провокационное произведение искусства. Оно выглядит особенно актуальным, поскольку такой вопрос способен подорвать и сегодняшний рынок искусства.
Выставка продлится до 19 января 2015 года.
http://www.guggenheim-venice.it/inglese/exhibitions/azimuth/azimut-h.html#prettyPhoto
Тенденция вторая - проведение выставок фотографий знаменитых фотохудожников, позволяющих, однако, по-новому взглянуть и на их творчество, и на тот вид художественной фотографии, который они представляют.
Два фотографа – Анни Лейбовиц и Ги Бурден – тесно связаны с миром моды, и однако, открывают зрителю и моду, и само фототворчество по-новому на выставках, идущих в январе 2015 года.
1) В галерее Исторического собрания в Нью-Йорке проходит выставка «Паломничество», на которой представлены фотоработы Анни Лейбовиц – одного и самых известных фотохудожников современности.
Скарлетт Йохансон. Фото А.Лейбовиц
Анни Лейбовиц известна своими портретами знаменитостей. Она много сотрудничает с журналами мод – в частности, для журнала Vogue ею было выполнено множество известных фотосессий.
Но ни одна из работ, представленных на выставке «Паломничество» не является портретом. На первый взгляд. Ведь основные жанры здесь – это пейзаж и натюрморт.
Но вглядываясь подробнее в произведения натюрмортного цикла, неожиданно открывается их внутренняя портретная сторона.
Например, перед нами перчатки. Что это за перчатки? Мы видим, что они старые, даже старинные. Но еще мы видим, что они запачканы кровью. Появляется история. И из вещи появляется человек.
Кто этот человек? И когда мы получаем ответ на этот вопрос, фотография приобретает совершенно новый смысл.
Это – перчатки Авраама Линкольна, который одел их в театр в тот вечер, когда был убит. Таким образом, перед нами – портрет Авраама Линкольна – его жизни, его дел и его смерти. Фотография показывает, что портрет через вещь иногда может сказать больше, чем портрет лица.
Трагедия оборвавшихся жизненных дел – это история жизни не только одного, хотя и выдающегося человека. Это – история многих жизней. Так произведение фотоискусства переводит нас на уровень общечеловеческого содержания.
Пастели Джорджии О'Киффе. Фото А.Лейбовиц
«Паломничество» - это фотопутешествие-исследование личного пространства тех людей, которые оказали влияние на Анни Лейбовиц: Джулия Маргарет Кэмерон, Элеанор Рузвельт, Джорджия О’Киффе, Эмили Дикинсон. Вещи этих людей – единственно доступный способ их портретирования.
Телевизор Элвиса Пресли. Фото А.Лейбовиц
Кушетка Зигмунда Фрейда, письменный стол Вирджинии Вульф, набор пастелей Джорджии О’Киффе, телевизор, простреленный пулей Элвисом Пресли, говорят фотохудожнице и зрителю очень много не только о своих владельцах, но и о природе человека, движении его мыслей, творческих замыслов и психологических тупиках, из которых можно найти или не найти выход.
Выставка продлится до 22 февраля 2015 года.
http://www.nyhistory.org/exhibitions/annie-leibovitz-pilgrimage
2) В Сомерсет-хаусе в Лондоне проходит выставка «Ги Бурден: создатель образов» (Guy Bourdin: Image Maker).
Ги Бурден (1928-1991) – французский фотограф, работавший в мире моды и известный своими провокационными и неожиданными фоторешениями, которые он принимал, выполняя фотосессии для того или другого дома мод.
Сейчас в Лондоне проходит самая масштабная в Британии выставка более 100 работ данного фотохудожника. Многие экспонаты выставки ранее не были представлены зрительскому сообществу. Например, живописные и графические произведения художника, а также его киноработы, раскрывающие Бурдена как пионера фэшн-кинематографии.
Ги Бурден – ученик Ман Рея – мастера сюрреалистической фотографии. И несмотря на наличие вполне реальных заказчиков с реальными рекламными планами, Ги Бурден в своей работе всегда сохранял сюрреальную художественную свободу.
Из фотосессии "Ноги на прогулке". Ги Бурден
Например, в фотосессии «Ноги на прогулке» (Walking Legs), выполненной в 1979 в рамках рекламной кампании обуви фирмы Шарля Журдена, мы наблюдаем сюрреалистические пейзажи, в которых по безлюдным местам гуляют женские ноги. Хотя обувь на этих ногах – действительно продукция Журдена, но образы, созданные Бурденом, переходят границы рекламного плаката и становятся произведениями искусства.
Кураторы выставки подчеркивают, что значимость фотодостижений Бурдена тем более велика, что он работал в эпоху, предшествующую появлению цифровой фотографии, и все оригинальные художественные решения были результатом особого мастерства автора. А современные художественные критики, работающие для журналов мод, отмечают невероятную современность фоторабот Бурдена и его способность предвосхитить многие решения, актуальные в наше время.
Из фотосессии "Ноги на прогулке". Ги Бурден
«Ноги на прогулке» - серия работ, с которой особенно увлекательно познакомиться именно в Англии, поскольку персонажей этих фотопроизведений легко можно представить на страницах знаменитых сказок английского писателя Льюиса Кэрролла «Алиса в стране чудес».
Выставка проходит до 15 марта 2015 года.
http://www.somersethouse.org.uk/visual-arts/guy-bourdin
Тенденция третья – внимание к архитектуре и ее возможностям трансформировать общество и способствовать распространению идеалов созидания.
Несмотря на то, что значительная экспозиция подобного рода была выделена лишь в Японии, однако архитектурные итоги 2014 года позволяют говорить о заявленной тенденции, в которой не столько выставки, сколько само строительство архитектурных арт-объектов является главным свидетельством ее актуальности.
Культурный выставочный центр Фонда Луи Вюиттона, построенный Франком Гери в Булонском лесу в Париже, новый архитектурный проект Ренцо Пиано, объединивший музеи Гарварда – лишь немногие примеры того, как музей сегодня сохраняет качество держателя культурных идеалов, позволяющих осуществлять навигацию общественных ценностей в альтернативном созидательном русле.
Музей современного искусства XXI века. Канасава, Япония. Архитекторы К.Седжима и Р.Нишисава
В японском Музее Современного искусства XXI века в городе Канасава проходят две выставки:
1) «Японские архитекторы 1945-2010».
В проектах выставки архитектура предстает как мощная созидательная сила, оказавшаяся способной возродить Японию после второй мировой войны. Катастрофа войны, разрушившая страну как физически, так и морально, послужила в то же время отправной точкой строительного бума, отметившего собой послевоенные годы.
Афиша выставки "Японские архитекторы 1945-2010"
Куратором выставки выступает Фредерик Мигайру, заместитель директора Центра Помпиду в Париже. Центр Помпиду владеет обширными материалами по истории японской архитектуры, что позволило увеличить искусствоведческую ценность всего проекта, организованного в Японии.
Эпохи архитектурного развития Японии с 1945 по 2010 годы предстают в теоретической концепции Ф.Мигайру закодированными цветовыми шифрами. Каждый цвет соответствует не только эпохе, но и секции выставки. Например, черный цвет – темная эпоха, период разрухи; светло-серый – новая японская архитектура; цвет – новое видение; отсутствие цвета – архитектура исчезновения.
Куратор отобрал проекты 75 наиболее значимых японских архитекторов второй половины ХХ века: Тадао Андо, Такефуми Айда, Кунижико Хайкава и др.
Выставка проходит до 15 марта 2015 года.
http://www.kanazawa21.jp/data_list.php?g=81&d=134&lng=e
2) «Архитектура после 3 ноября».
Одновременно, в том же музее города Канасава, проходит выставка, которая показывает, как архитектура современной Японии оказывается способной выполнить схожую созидательную функцию после новой катастрофы, постигшей страну.
3 ноября 2011 года землетрясение и цунами принесли разрушения, в некоторой степени сопоставимые с бедствиями войны.
Это – особенная для Японии выставка. Именно ее организацией Музей современного искусства XXI века отмечает свое десятилетие. Представлены результаты творческой деятельности 25 архитектурных фирм Японии за период с 2011 по 2014 год.
Интерьер Музея современного искусства XXI века. Канасава, Япония
Архитектурные объекты, созданные после природных разрушений, показывают, как художественная культура способна генерировать идеалы созидания и восстановить мир, казалось бы, потерянный навсегда.
Экспонаты выставки заставляют зрителя задуматься над ролью архитектора и архитектуры и понять место идеалов художественной культуры в системе социума.
Выставка проходит до 10 мая 2015 года.
http://www.kanazawa21.jp/data_list.php?g=81&d=135&lng=e